Zwischen Fläche und Raum

Papier ist ein geduldiges Material. Es nimmt Linien und Farben auf, lässt sich falten, schneiden, schichten und verwandeln. Für Andreas Oehlert ist es weit mehr als bloßer Bildträger. Seit Jahrzehnten bildet es eine Konstante in einem Werk, das sich kaum auf ein Medium festlegen lässt. Zeichnung und Aquarell stehen neben Fotografie, Skulptur, Objekt und Installation; aus der Fläche entwickeln sich räumliche Vorstellungen, aus Materialien neue Ideen. Unter dem Titel „Paper Moon“ führt die Kunsthalle Nürnberg diese unterschiedlichen Stränge nun in einer großen Einzelausstellung zusammen.

Vom 31. Oktober 2026 bis zum 14. Februar 2027 bespielt Oehlert die Kunsthalle. Eine Retrospektive soll „Paper Moon“ ausdrücklich nicht sein. Zwar werden Zeichnungen aus unterschiedlichen Schaffensperioden gezeigt, zugleich entsteht ein wesentlicher Teil der Ausstellung neu und eigens für die Räume des Hauses. Damit richtet sich der Blick weniger zurück als auf eine künstlerische Praxis, in der frühere Arbeiten und gegenwärtige Fragestellungen miteinander in Beziehung treten.

Oehlert, 1966 in Fürth geboren, studierte an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg bei Rolf-Gunter Dienst, verbrachte einen Studienaufenthalt an der Kunstakademie Krakau und setzte seine Ausbildung später am Chelsea College of Art & Design in London fort. Längst gehört er zu den profilierten Künstlern der Region. Entscheidender als diese biografische Verankerung ist jedoch eine Arbeitsweise, die Beharrlichkeit mit Offenheit verbindet.

Besonders deutlich wird das in seinen Aquarellen. Wiederholung, Struktur und präzise gesetzte Formen lassen zunächst an sorgfältig geplante Kompositionen denken. Tatsächlich entsteht vieles erst im Arbeitsprozess. Oehlert beginnt mit Formen und Modulen, wiederholt und variiert sie, lässt Regeln entstehen und gibt sie wieder auf. Planung und Zufall, Kontrolle und Loslassen geraten so in ein produktives Wechselspiel.

Dass Papier dabei selbst zum Akteur werden kann, zeigt exemplarisch die 2020 entstandene Serie „lichten“. Auf starkem Papier grundierte Oehlert die Blätter zunächst mit Aquarellfarbe. Nach dem Trocknen nahm er mit Wasser und feinem Pinsel Teile der Farbe wieder ab, bis hellere Farbtöne oder das Weiß des Papiers zum Vorschein kamen. Das Bild entstand also nicht allein durch Hinzufügen, sondern ebenso durch Wegnehmen.

Das Beispiel verweist auf eine grundlegende Eigenschaft seiner Kunst: Auf den ersten Blick begegnet dem Betrachtenden häufig eine beinahe verführerische Ästhetik. Farben, Muster und Wiederholungen entwickeln einen starken visuellen Sog. Doch die Ordnung bleibt selten so verlässlich, wie sie zunächst erscheint. Strukturen verschieben sich, Wiederholungen werden unterbrochen, vermeintliche Regelmäßigkeiten lösen sich auf. Schönheit und Irritation liegen nah beieinander.

Auch die Grenze zwischen Bild und Raum ist durchlässig. Oehlerts zeichnerisches Werk entwickelte sich parallel zu Objekten und Installationen. Frühere Ausstellungen verbanden Zeichnungen, Fotografien und dreidimensionale Arbeiten miteinander. Bei einer Papierausstellung im Jahr 2020 ergänzte Oehlert die Arbeiten beispielsweise um 60 Kilogramm Konfetti auf dem Boden. Die Besucher hinterließen beim Durchschreiten ihre Spuren und veränderten damit fortwährend die Installation.

Diese Lust an der räumlichen Inszenierung dürfte in „Paper Moon“ besondere Bedeutung gewinnen. Die Kunsthalle hat Oehlert nicht allein eingeladen, vorhandene Werke auszuwählen, sondern neue Arbeiten zu entwickeln und sich installativ mit ihrer Architektur auseinanderzusetzen. Das entspricht einem Künstler, der eine Ausstellung nicht als Ansammlung autonomer Einzelwerke versteht, sondern als Zusammenhang, in dem Arbeiten, Materialien und Raum aufeinander reagieren.

Schon 2023 war Oehlert in der Kunsthalle Nürnberg in der Gruppenausstellung „Who’s Afraid of Stardust?“ vertreten. Seine dafür konzipierte Installation „Ohne Titel (h.c., Version B)“ griff den sogenannten Hanky Code auf – ein seit den 1960er-Jahren in der amerikanischen schwulen Subkultur verwendetes System verschiedenfarbiger Tücher zur nonverbalen Verständigung. Auch hier verband sich eine unmittelbar erfahrbare ästhetische Ordnung mit einer Bedeutungsebene, die sich erst durch Wissen und genauere Betrachtung erschloss.

Nun erhält Oehlert die acht Säle der Kunsthalle für sich. Vier ortsspezifische Arbeiten entstehen eigens für „Paper Moon“, darunter eine raumfüllende Installation für den großen Oberlichtsaal und eine Vitrine, die selbst zum Raum im Raum werden soll. Daneben treffen neue Werke auf Zeichnungen verschiedener Jahre und Werkgruppen. Einige davon kehren als Leihgaben zurück und werden erstmals in größeren Zusammenhängen sichtbar.

Der Ausstellungstitel führt dabei mitten hinein in Oehlerts künstlerischen Kosmos. „Paper Moon“ bezeichnet etwas, das zugleich wirklich und künstlich ist: einen Mond aus Papier, eine überzeugende Illusion, deren Gemachtheit offensichtlich bleibt. Zwischen Fläche und Raum, Ordnung und Störung, Schönheit und Irritation bewegt sich auch Oehlerts Werk.

Im Vorfeld der Ausstellung, noch während der Schaffungsphase, konnte ART. 5|III ein Interview mit dem Künstler führen:

„Paper Moon“ ist ausdrücklich nicht als Retrospektive angelegt. Stattdessen entstehen zahlreiche Arbeiten eigens für die Ausstellung. Kann man als Künstler tatsächlich gezielt auf eine Ausstellung hinarbeiten – oder muss ein Werk unabhängig davon entstehen, ob und wo es später gezeigt wird?

Beides ist möglich. In meiner Ausstellung „Paper Moon“ zeige ich in mehreren Räumen Zeichnungen aus unterschiedlichen Werkgruppen – darunter Arbeiten, die bereits vor Jahren entstanden sind. Hinzu kommen Werke, die ich eigens für dieses Projekt entwickelt habe. Da ich in unterschiedlichen Medien arbeite, ist es mir wichtig, diese Vielfalt sichtbar zu machen. Ich begreife meine Ausstellungen stets als Gesamtinstallation, als Gesamtkunstwerk.

Welche Rolle spielt dabei der konkrete Raum? Entsteht eine Arbeit zunächst im Atelier und sucht sich anschließend ihren Platz – oder können die Räume der Kunsthalle selbst zum Ausgangspunkt einer Arbeit werden?

Für die acht Säle der Kunsthalle Nürnberg entstehen vier neue ortsspezifische Arbeiten: Im größten Oberlichtsaal eine raumfüllende Installation, die sich ganz konkret mit der Architektur des Hauses auseinandersetzt; für einen weiteren Saal eine große Vitrine, die als Raum im Raum funktioniert.

Sie arbeiten mit Zeichnung, Aquarell, Fotografie, Skulptur, Objekt und Installation. Woran entscheidet sich, welches Medium eine Idee bekommt? Gibt es zuerst die Vorstellung und dann das Material – oder führt manchmal gerade das Material zur Idee?

Meine Arbeiten auf Papier entstehen kontinuierlich im Atelier und prägen oft auch meine dreidimensionalen Werke. So gaben etwa Aquarelle aus der Serie „Ariadne“ den Impuls zu klein- und großformatigen Stickereien. Während bei den skulpturalen und installativen Arbeiten häufig das Material den Ausgangspunkt bildet, ist es bei den fotografischen Werken stets ein gefundenes Objekt. Letztlich befruchten sich die verschiedenen Medien wechselseitig.

Ihre Arbeiten wirken häufig ausgesprochen präzise und ästhetisch, zugleich aber irritierend oder rätselhaft. Wie wichtig ist Ihnen Schönheit – und ab welchem Punkt würde Schönheit für Sie zur bloßen Dekoration oder gar zum Kitsch?

Mein Empfinden von Schönheit spielt eine wesentliche Rolle in meiner künstlerischen Praxis – zugleich versuche ich immer wieder, das Ästhetische gezielt zu brechen. Auch Kitsch oder Dekor haben in meinem Oeuvre durchaus ihren Platz. Kunst ist frei und unterliegt für mich keinerlei Einschränkungen.

In „Paper Moon“ treffen neu entstandene Arbeiten auf Zeichnungen aus verschiedenen Jahren. Was passiert für Sie, wenn Sie heute einer eigenen Arbeit begegnen, die vielleicht vor zehn oder zwanzig Jahren entstanden ist? Erkennen Sie darin noch denselben Künstler?

Ich freue mich sehr darauf, vielen Arbeiten nach Jahren erneut zu begegnen. Dank Leihgaben kann ich zwei vollständige Zeichnungsserien präsentieren, die ich selbst noch nie im Gesamtzusammenhang gesehen habe. Der Blick auf frühere Arbeiten ist für mich stets aufs Neue spannend: Ich erkenne mich darin wieder und entdecke zugleich Facetten, die mir damals noch verborgen blieben.

Der Titel „Paper Moon“ trägt bereits einen Widerspruch in sich: Etwas Künstliches, Gemachtes, vielleicht sogar Illusionäres trifft auf etwas so real Erscheinendes wie den Mond. Was bedeutet dieser Titel für Sie – und wie viel verrät er über die Ausstellung?

Der Titel „Paper Moon“ verweist zum einen auf den zentralen Werkstoff meines Schaffens: das Papier. Zum anderen beschreibt er ein Schlüsselelement meiner künstlerischen Praxis – das Spannungsfeld zwischen Wirklichkeit und Illusion. Vertraute Formen und Objekte werden durch Exzentrik und überraschende Transformationen so aufgeladen, dass ihre gewohnten Bedeutungen ins Wanken geraten und neue Lesarten entstehen. Auch die Zeichnungen scheinen sich immer wieder von ihrer faktischen Zweidimensionalität zu lösen und entwickeln eine täuschende Räumlichkeit. Nicht zuletzt klingt im Titel die Populärkultur an: das Lied „It’s only a Paper Moon“, Tennessee Williams’ „A Streetcar Named Desire“ oder Peter Bogdanovichs gleichnamiger Film. Sie alle umkreisen Illusionen, trügerische Fantasien und die Brüchigkeit von Realität.

Sie sind 1966 in Fürth geboren, haben in Nürnberg und später in London studiert und sind schließlich in die Region zurückgekehrt. Ist diese Verwurzelung für Ihre Kunst heute noch von Bedeutung – oder ist der geografische Ort für einen Künstler letztlich nebensächlich?

Ich denke, der Ort, an dem man sich zu leben entscheidet, prägt das künstlerische Werk entscheidend. Das kann für die eine die pulsierende Großstadt sein, für den anderen die stille Zurückgezogenheit. Essenziell sind letztlich gute Arbeitsbedingungen und die Sichtbarkeit des künstlerischen Schaffens.

Wann wissen Sie, dass eine Arbeit fertig ist? Gibt es diesen eindeutigen Moment überhaupt – oder entscheidet irgendwann eher der Künstler, mit der Arbeit aufzuhören?

Die Arbeit entscheidet selbst, wann sie vollendet ist.

Herr Oehlert, wir bedanken uns für das Interview und wünschen Ihnen viel Erfolg mit der Ausstellung.